「节外生字」徵文奖励计划

艺术节今年首次举办徵文奖励计划,让观众在观赏节目後,把感想化成文字,不论是对艺术节节目的评论分析、观後感想,或与艺术节相关的观察和讨论都无任欢迎。手起笔落,论尽艺术节!

投稿日期: 16.10-29.11
查询、条款及细则: 2974 0542 / www.iatc.com.hk
    投稿须知
  • 每篇文章不少於800字,中英文不拘,每人最多可投稿两篇。
  • 文篇必须储存在「Word」或纯文字档案内,并电邮至iatc@iatc.com.hk,文章请註明作者姓名、电邮、手提电话、文章题目和被评论的节目场次。
  • 优秀文章将上载至本会网站,并附上评审意见。成功发表者可获港币$500书劵奖励(每篇文章)。

艺评讲座
想知道更多关於艺评写作?,不要错过由著名乐评人主讲的艺评讲座!

讲者: 胡铭尧 (音乐评论人)
地点: 香港文化中心行政大楼4楼2号会议室
语言: 粤语主讲

日期及题目:
26.9 (六) 12:30-2pm 轻松认识艺评写作
4.10 (日) 3pm-4:30pm 艺评写作入门法


策划及统筹:

国际演艺评论家协会(香港分会)为艺发局资助团体

Hong Kong Central Library Adult Lending Library
MAP
8.10-10.11
(Thu – Tue)
Mon,Tue,Thu-Sun : 10am-9pm
Wed: 1-9pm
Public Holiday: 10am-7pm
Free Admission



7am–10pm




Friendly Reminder
  • Hong Kong Central Library Adult Lending Library Adress:3/F, 66 Causeway Road, Causeway Bay, Hong Kong
  • Enquiries: 2921 0372

Trivia
Global theatrical innovations from Poland
Theatre of Death
Artist and director Tadeusz Kantor (1915-1990) refused to be guided by texts, placing the emphasis on the visual elements of theatre. Kantor combined radical props and stage design with happenings (different art forms brought together in a live performance) to manifest the absurdity and emptiness of reality. In 1975,Kantor created Dead Class, a controversial play from which he developed the Theatre of Death concept, probing such motifs as death, memory, spiritual transcendence, and the most basic human desires.
Poor Theatre
This form of theatre is derived from the ideas and work of director Jerzy Grotowski (1933-1999). Poor Theatre seeks to distil the essence of the dramatic art form. Grotowski argued that interaction between actors and spectators is the only necessary element in theatre, with lighting, sound effects and set design minimised in his productions. In his view, even the stage could be abandoned. Grotowski also developed training methods that demanded his actors constantly engage in self-exploration, fusing their inner beings into performances.
  • 惊艳《甄嬛》

    秋盈 / 土生土长,哀乐中年。自幼酷爱古文,嗜读诸史、老庄,亦好诗词、小说、传奇杂剧。少时初识红氍况味,大开眼界;至今二十余年,始终不能自拔。

    「上海越剧院」于今年「世界文化艺术节」搬演两出新剧,其中取材自晚唐诗人李商隐生平的《双飞翼》令人略感失望,改编自流行小说的《甄嬛》上、下本,却出乎意料颇有惊喜。

    惊喜之最,莫过于别出心裁的舞台设计。设计师充分利用文化中心大剧院舞台的深度与高度,在舞台后方搭起高台,把演区分为上、下两层,前、后两半。尽管高台的柱梁并非金雕玉砌,但配合灯光及底景画内容的变化,营造了截然不同的场景与气氛——一时是恢弘瑰丽的大殿,一时是草木蓊郁的御园,一时是阴森幽冷的内宫,转眼又是雪拥冰封的荒山。最教人意想不到的是,第二晚下本演到千钧一发之际,导演杨小青竟安排前一晚上本的演员在高台上层无声曼舞,作为下层人物脑海中的回忆片段。这与电影、电视剧中常见的「闪回」技巧可谓异曲同工,但又略胜一筹。因为观众可以同时看到人物的过去与现在,对比鲜明,更增感慨。这种今昔映衬的手法,用在人物的生死关头上,效果相当不错。然而上本尾场那个象征滴血的LED变色灯装置,大剌剌的挂在舞台正中,则未免太煞风景了。

    惊喜之二,是编剧的剪裁工夫。此剧共有两本,分两晚演出,各长两小时半左右,不设中场休息,一气呵成。在这么简短的篇幅中,能将剧情和人物交代清晰,也是难得。我未读原著,也没看过电视剧,只知小说原名《后宫‧甄嬛传》,共七大册、近百万字,以深宫后妃互相倾轧为题材,在内地很受欢迎。这类小说一般人物众多,关系复杂,情节亦曲折繁芜,要改编为数小时内演完的戏剧,必须大刀阔斧删枝削叶,只保留最重要的人物与内容,若能不失原著题旨或情韵则更佳。此剧既以「甄嬛」命名,甄嬛理所当然的成为主角中的主角。其余主要人物是皇帝与清河王,旁及安陵容、沉眉庄及华世兰诸妃,再牵涉太医温实初、宫女槿汐和颂芝、太监李长等人。喜欢原著的读者或会认为删削过什,但对于我这些不知原著内容的观众而言,却是恰到好处;既无冗赘之弊,亦收简练之效。

    话虽如此,此剧始终人物较多,剧情也曲折,上本戏文无可避免须以铺叙情节为主,务求让观众明白来龙去脉,刻划人物内心较少。即使在〈失子离宫〉、〈风雪合情〉、〈青梅竹马〉等剖腹掏心的场景,写法仍似是为了敷演剧情,稍欠动人心魄的感性力量。推展剧情的节奏也嫌太急促,人物像走马灯一般穿来插去,看得人眼花缭乱,遑论有咀嚼戏文、沉淀情绪的余地。尤其值得商榷的是,上本以滴血验亲的疑案作结,而非甄嬛二度入宫前夕的百般挣扎,虽说这是为了营造悬疑气氛,以吸引观众欣赏下本,但却牺牲了戏文的完整结构和袅袅余韵,甚至将观众累积起来的情绪一下子泄掉。这么一来,上本尾场〈滴血验亲〉就像蛇足一般,观众情绪和注意力再难集中,何苦来哉?

    演到下本,编剧笔锋倏地一转,改以浓墨重彩描绘几个主角不足为外人道的深沉心事,人物形象也陡地鲜活起来。其实下本的剧情依旧跌宕,但编剧选定了某个场景,让诸般人物向伴侣、敌人和观众直诉胸臆,人物性格遽然变得更扎实,表演的深度与层次也一下子增加不少。较之上本不断追逐剧情发展,缺乏人物所思所想的剖白,实在不可同日而语。难怪有人怀疑两本戏文,可能出自不同编剧的手笔。

    惊喜之三,是选角的巧妙安排。两本《甄嬛》分别由两组演员担纲,上本是新晋演员,下本则是成名已久的角儿,唱、做功力悬殊,观感也随之截然不同。我无意直接比较,因为这对双方都不公道;何况剧本内容、写法有别,演绎上也应有差异。总括而言,上本活泼灵动,洋溢青春气息,下本则成熟沉稳,就像台上众人带领观众体验他们少年入宫、初涉险途的躁动不安,后经多番历练与磨难,逐渐变得内敛、阴沉的过程。换句话说,剧中人物会长大、会成熟,个性或处事会随着惊心动魄的际遇而改变,但全部有迹可寻,绝非无中生有。人物塑造到这个程度,无论在戏曲或其他形式的戏剧作品中,均不多见。虽说这到底是得力于剧本的构思,但分组选角的策略亦功不可没。

    惊喜之四,在于个别演员勇于突破固有形象的胆识与气魄。其中钱惠丽在下本扮演的皇帝,教人印象最深刻。剧中的皇帝工于心计、猜疑善妒、冷酷无情,以维护皇权、拱卫社稷为至高无上的要务。一旦他认为皇权受到威胁,手足之情、夫妻之爱、骨肉之恩,无不沦为一抔粪土。但他愈是彰显权力、压抑感情,众人愈是敬而远之,心里就愈寂寞,性情也愈趋乖戾狠辣。钱惠丽在《孟丽君》、《皇帝与村姑》等经典名剧演过不少皇帝角色,但《甄嬛》这个皇帝与别不同,性格极不讨好。在〈深宫沉怨〉的独脚戏中,她抽丝剥茧地剖开皇帝封藏已久的心事,倒令人觉得这皇帝七分可恨之中,尚带三分可怜。而她那嘹亮华丽的唱腔、雍容大度的扮相,又为人物平添几分贵气与稳重。只可惜最后与甄嬛撕破脸时某些动作略嫌过火,死相也有点生硬难看。然而瑕不掩瑜,皇帝确是两本《甄嬛》最抢眼的人物。

    看完「上越」两出新剧,尽管各有瑕疵,仍须细意琢磨,但他们勇于创新求变的精神,实在令人敬佩。这次「上越」排出《甄嬛》、《双飞翼》、《梁祝》和折子戏串演的戏码,新旧兼容、浓淡俱备,既有传统文史题材,亦紧贴流行文化,尽见其创作胸襟之宽广、识见之卓越,同时就像风月宝鉴一般,把因循、无知与故步自封,映照得洞若观火。但愿有心人能够从中得到启发与鼓励,继续勇于尝试和突破,为传统艺术注入新的活力,也别被人家抛离太远了。


    评语:

    (胡铭尧)有理有节的评论,无可挑剔。作者逐一陈述演出之惊喜,似是拉杂成文,实质却一环一环地道出戏的制作脉络,这是一个很精妙的布局。而作者的观察亦独到入微,对此长剧有如此​​精炼的评论,实在不可多得。

    (游慧姿)言之有物,结构完整,文笔亦佳,唯虚字稍多。

    (闻一浩)很不错的文章,作者事前有做准备的功夫,或者对这题材有一定认识。他/她很有系统地阐析了自己对演出的看法,又能清楚交代演出的来龙去脉,评析时能点出这作品的优劣之处,十分难得。

  • 高加索的瑰艺——格鲁吉亚国家舞蹈团

    蔡嘉雯 / Ka-man Choi graduated from the Chinese University of Hong Kong with MA in M​​usic. She is now a research student in the Music Department of CUHK with interests in musicology.

    格鲁吉亚国家舞蹈团由Sukhishvili和Ramishvili在1945年创办,结合传统民俗舞蹈和当代舞蹈,至今的总监已为第三代传人。舞蹈团曾于2009年丝绸之路艺术节亮相香港舞台,当时已令过半场观众起立鼓掌,今次在「瑰艺十载」载誉归来,仍然令观众热血沸腾,喝采鼓掌不断。

    文化融和舞蹈

    笔者在今年春天曾到访格鲁吉亚,当地人坦承格鲁吉亚历史上战争连年,男士们需要随时候命保家卫国。而格鲁吉亚人给人的印象是真诚、有气度、不拘小节、爱喝酒、重爱情和友情,有点像北方和蒙古人追崇的「英雄好汉」形象,鲜明的民族形象深刻地反映在舞蹈团的编舞里。在格鲁吉亚舞蹈团的编舞中,男舞者和女舞者的角色鲜明:男性英勇、快速刚劲,女性温柔美丽,时而神圣时而野性,是尊贵和渴望的象征。

    对不少观众来说,单是看舞蹈团的高超技术已值回票价。诚然,他们的技术固然已无可挑剔,不论是男舞者快速腿部动作、膝盖舞,男女舞者不着痕迹的脚尖碎步,还是技惊四座的跪地旋转和独门的匕首舞蹈,总能赢到不少由衷的掌声。然而,技术终究是技术,若编舞未能配合,只会沦为杂耍的大杂烩。格鲁吉亚国家舞蹈团能享誉国际的原因,相信是编舞家能在舞蹈表演中表现格鲁吉亚的文化特色,并在过程中糅合传统与当代舞蹈技巧,并让舞者展现其超凡技艺。好像多场以武打为主轴的舞蹈皆突显男性的团结,男舞者相聚一起时而对付敌军,时而友好聚会,继而是舞者之间互相比试技术,比试胆色勇气,不少高超技术也是围绕这主题展现,好像跪地旋转,虽然吉卜赛的舞蹈也有类似的技术,但格鲁吉亚舞蹈团将之结合在打斗和匕首舞里,表现格鲁吉亚人武斗时的敏捷、迅速和精准,成功地结合技术、动作美感和舞蹈表演内容。

    从高加索走进现代

    格鲁吉亚舞蹈团的表演其中最引人注目的地方是编舞者糅合了传统格鲁吉亚舞蹈和现代舞蹈。若说舞蹈团传统舞蹈以精湛技术极力搏取台下鼓掌喝采,他们的当代元素正好为观众提供感官刺激,那种慑人的强烈对比让这个高加索国度更加梦幻醉人。

    数场具现代感的作品皆用上强烈而艳丽的灯光,舞蹈简约而概念性,编舞者往往能运用简单的意念和民俗元素编制出甚有张力的表演,例如在《纳尼娜》(摇篮曲之舞)里,编舞者突显格鲁吉亚女舞者的脚尖碎步,穿着传统长裙的女舞者漫不经心地在舞台上朝弧形地「飘移」,模仿摇篮曲的摇曳。至于舞蹈团的招牌作《萨麦阿》(女皇画像之舞)是根据曾令格鲁吉亚在中世纪显赫一时的塔玛女皇(Queen of Tamar)之画像所编,塔玛女皇既温柔美丽又能干坚强,既是贤母亦是带领国家富强的强人。三位饰演女皇的女舞者由「三位一体」的画像开始,她们拿着洋烛缓慢地旋转,继而分散在不同角落,配合视觉上三人的交差重叠制造幻觉,最后再让她们重新结合回到画架之上。舞者简单的动作舞步已尽显女皇的高贵,还有借三人分饰一角塑造幻影与迷离的气氛。而《森地》(婚礼之舞)更是通过男黑女白的礼服,由一双一对的新人开始,双方交替排列,不同的组合犹如万花筒般构成一幅幅整齐对称的图案。

    不独是现代舞蹈概念,舞蹈团将现代舞元素和自身舞蹈风格结合。 《霍鲁米》和《萨马尼》糅合传统军人舞及现代舞元素,及后在火红的灯光下二十多位舞者一字排开的列阵已成为舞蹈团的标记。至于《杰兰尼》(狩猎舞)里数位男舞者化身为猎人,追逐象征灵羊的绿衣女舞者,在阿拉伯曲风的音乐下,女舞者以灵活自由的现代舞元素和阿拉伯风的舞姿游走于猎人之间,突显女性和灵羊合体的诱人体态,和难以捕捉的难驯野性。类似的还有《卡拉塞克利》(城市工匠之舞),舞台漆黑幽暗,十多位男舞者手持洋烛,以他们的英姿吸引一位红衣女神,女舞者在梦境中游走在工匠们之间。

    舞蹈——文化之传承

    不少人将格鲁吉亚舞蹈团的演出与俄罗斯舞蹈相提并论,两者固然有相似之处,但深入了解舞蹈里的深层意涵,观众会发现舞蹈体现的文化相当「格鲁吉亚」:民族女神塔玛女皇、保家卫国的精神、山区生活等。格鲁吉亚舞蹈团创立于二战后,能够想像在苏联时期,不少地区内只有民俗艺术才能幸存,对于一个在历史上常被侵扰的山区小国而言影响更甚,可贵的是舞蹈家运用纯熟的技巧将民族历史文化底蕴尽数表现出来。一个民族值得骄傲的地方未必是有多少文化让历史承载,而是她的人民从文化中如何找到身分和归属。格鲁吉亚国家舞蹈团令人敬佩的地方是他们如何深深抓紧历史,结合舞蹈技巧透彻地表现于人前,忠于自己民族的身分,而且与时并进,让艺术文化生生不息地流传。

    全场表演有不少令人难忘的场景,唯一美中不足的地方倒是场地的局限,荃湾大会堂的舞台偏小,数十位舞者在台上显得有点挤迫,边旁的舞者已几乎被「迫」进后台,灯光运用也似乎没有过往演出时的艳丽,不知是否与场地的技术有关。作为观众,期待这队数十人大军十载、二十载后能重临,看看格鲁吉亚舞蹈的新发展。


    评语:

    (胡铭尧)文章很有可读性,而且作者分析编舞的角色,再加上讨论整出舞蹈的布局,令整篇文章甚为完整。唯一我认为可以改进的地方,是整篇文章论点的推演:全篇三大段落,文理上是逐步推进,但读上去却像三个似有关连,但又不是一层一层推进的论述。其实作者文章的内容甚为丰富,而且见解独到,如果能在推演上再花时间,最后敲出笔者认为最为珍贵的主轴(是「能在舞蹈表演中表现格鲁吉亚的文化特色」重要,还是「在过程中糅合传统与当代舞蹈技巧」重要?),则文章更见尖锐。

    (游慧姿)内容完整,文笔流畅。讨论民族舞蹈演出之时能顾及格鲁吉亚的历史及文化脉络,实在难得。

    (闻一浩)作者能够理出团来港演出的历史,亦能从文化历史角度剖析舞蹈特色的由来,对于舞蹈编排也能够提出一定的观点,难得。

  • 《缘移戏剧班》观后感舞台上的静默

    Vanessa Wong

    这是一个不寻常的剧本。全剧只有五个角色、一个场景。整个舞台布景简单:只有镜子、呼拉圈、健身球、储物柜。吊诡的是,整个剧本看起来没有情节的推进,只有反覆不断的课堂内容和演员在课堂间休息时的对话。这些对话布满了突兀的沉默、停顿、零碎短促的语句。

    面对舞台这种罕见的沉默、看似没有情节的重复性的练习、课堂与课堂之间毫无关联的呈现,令观众一开始完全摸不着头脑,甚至需要好一段时间才能适应这种莫名的不安。

    这种不安,也许正正是剧作家Annie Baker希望能唤起观众内心深处曾经独自面对的挣扎与困惑。剧本里的五名角色:Lauren、Theresa、Schultz、Marty和James,均反映了人生不同阶段有可能经历的迷失——高中生Lauren渴望成为演员、父亲惹上官非、父母在家经常发生争执;名不见经传的女演员Theresa与木匠Schultz同是个有梦想的艺术家,无奈感情事业两失意;再婚的James得不到女儿的谅解,亦从Marty身上找不到他期望的了解与安慰;Marty了无机心,婚后仍然沉醉在与James一见钟情的美好回忆里,一直以为与丈夫推心置腹,最后才发现原来是自己一厢情愿。

    面对种种挫折,大家都在寻找一个无人认识自己的地方发泄、逃避。终于,五人在一个地方聚首一堂——由编剧Baker虚构出来的城市——Shirley市。为什么剧作家要安排故事发生在一个不存在的地方?也许,这个城市是一个象征,它象征着一个心灵的避难所,一个可以让我们在人生旅程稍为歇息、反省、重新出发的地方。同时,由于Shirley市不存在于世上,表示剧中的情节可以发生在任何一个地方、任何一个人身上。这个故事已经超越了地域、文化和时空的限制。故事中的困惑与迷失,正正就是人生在世遇到困境时的写照。

    了解过编剧悉心安排的故事背景,我们可以解构作品的内容——戏剧课堂与小休时学员之间的对话。剧名为Circle Mirror Transformation,顾名思义,这是一个关于转化的故事。较明显的转化,是Lauren由最初戴着帽子掩藏自己,到中段开始解下帽子,打开心扉面对众人。然而除了这一点,剧中还有许多微妙的转化隐藏在上课的每一个环节里。

    整套剧不断重复戏剧课程的游戏练习:数数字、接龙、合力组成一句完整句子、模仿房间里的家具、用非语言的方法对话、互相扮演对方作自我介绍、写秘密等等。乍看之下,这些平铺直叙的课堂内容无甚意义,没有跌宕起伏,更没有情节推进。但若我们用心咀嚼,便会发现原来这为期六星期的戏剧课程有两层意义:第一,这是一个「众里寻我」的过程,角色在看似了无意义的课堂中,找到失落的自我;第二,角色之间的关系都在经历这样的转化:自我保护产生矛盾冲突释怀、在人生困境中互相扶持、互相陪伴、一起寻找彼此失落的自我。

    我们先谈谈角色关系的转化。首先,学员从数数字和组成完整句子的游戏里,不知不觉间建立了一种默契。学员总共经历四次数数字练习。第一次是戏剧开场时,五人好几次都是数到二、三便要重新开始。第二次,大家勉强数到七;第三次,大家可以数到九;最后一次,大家终于能畅顺地数到十。数数字除了靠运气,当中也需要一种微妙的默契。大家需要了解五人共处的节奏,数数字数得越多,暗示五人已拉近了与对方的距离。

    此外,五人合力组成一句完整句子也能体现出同样的转化。在Week 1,五人组成的句子并未有任何意义:

    「爱——真诚——发现——朋友——是——一堆粪!」

    「邪恶——蓝色的——鸟儿——在头顶上——飞过。」

    「绿色——诡异的——阳光——洒在——我的——脸上。」

    结果,Marty只能说,希望下一次能组成一个有意义的故事。

    到了Week 6,大家能组成以下的句子:

    「如果——我——希望——成为—​​—一个——演员——我会——回家。」

    「我——学会了——很多——东西——我会——发掘——我——巨大的——潜能。——我学会——表达——愤怒。我们——会——成功——如果——我们——能——努力——变成——花。」

    大家终于能从对方给予的即兴的拼图,组合成一个有意义、有养分的讯息。

    另一个关系的转化,是James对Theresa的情愫。剧中的两位男性对Theresa都产生了爱慕,Schultz 对Theresa的感情十分明显,这里不详谈。值得讨论的,倒是James对Theresa的感情转化和剧作家在这方面含蓄的表达。戏剧课程临近尾声时,有人写下秘密说爱上了Theresa。虽然没有指名道姓,大家似乎都能轻易发现这是James的秘密。当中的情感究竟是如何酝酿?

    剧中一幕是James与Theresa以他们各自发明的语言沟通,Theresa用不同的语气说:「Goulash,Goulash。」James的回应则是:「Ah Mark,Ah Mark。」没有内容,却仿佛是一种只有他俩明白的暗示。从他们的语气中,观众可以感受James在安慰感情失意的Theresa。此外,还有一幕是James尝试模仿Theresa的前度男友Mark,逼着Theresa说出心底话。

    透过演戏,James对Theresa的情感出现了转化,并且在不知不觉间找到自我。他不需要再是James——Marty的丈夫、大家心目中的好老公、有苦说不出的好父亲、文质彬彬的好好先生。他可以摆脱一切的束缚,自由放任地在演戏的过程中进行情感探索。因此,Lauren在「Goulash」与「Ah Mark」的沟通过程中,觉得两人正在恋爱;而到最后,虽然编剧没有明确说明,但大家都看出当中的情感酝酿,知道爱上Theresa就是James的秘密。 James 终于看到问题的本质和自身的需要,并从固有的感情冲出。

    除了感情的转化,戏剧课程的另一层意义是自我发现的过程。课程内容看似无甚意义,但若我们看到终结,便会发现有很多情节都为后来的转化作了很好的铺垫。剧中有一幕,是Schultz要求Marty和其他学员扮演他房间里的家具。 James扮演床、Theresa扮演树、Laura扮演棒球手套、Marty则扮演床上的蛇形布偶。这一幕看似纯粹是娱乐观众,其实是要烘托后来轮到Lauren 指示各成员扮演她家人或家具的一幕。 Lauren这一幕才是这个练习的重点。若故事开始并无Schultz的练习作铺垫,Lauren的练习便会显得与其它课堂环节格格不入;若无Schultz的练习作烘托,Lauren的一幕便难以突显其应有的张力。在这一练习中,James和Marty扮演Lauren的父母,两人假戏真做,透过演戏得以放下恩爱的面具,坦诚面对两人之间的问题与纠结;而Lauren也透过了两人的对话,向大家宣泄了久藏于内心的郁结。

    另一个自我发现的过程,是Marty要求各成员互相代入对方的身份作自我介绍。在整个过程中,每个角色都有机会从第三者的角度窥探自己,而作为观众的我们,也因而大大提升了对角色的了解。这是一个很好的机会,让每个角色躬身自省,重新整理自我生命。

    课程临近尾声,Marty要求每个人写下自己的秘密。写下秘密如同演戏,每个人都可以放下面纱和既定的自我。虽然秘密是匿名的,但高明的编剧却能令答案呼之欲出。但何以观众如此容易便猜到秘密的主人?那是因为学员已经经历了一定的蜕变,他们已然把心底里最真实的一面表露过给观众。倘若这个游戏是安排在Week 1,观众会很难猜到秘密的主人,说不定五个人写下的秘密与六星期后都会不一样。

    最后一个环节,也是整个课程最后一个戏剧游戏:Marty要求Lauren和Schultz扮演十年后的自己。两人在街头相遇,谈谈近况,内容真实得让观众有感这不是演戏,而是现实。这一段对话,直接投射了每个角色对未来的愿景,和得到启发后经历的蜕变。 Lauren已不再执着于成为《梦断城西》的女主角;Schultz已放下对Theresa的感情;Theresa已冲破感情的阴霾,与志同道合的男演员共偕连理;而Marty也放下了James,独自追寻教授戏剧课的梦想。

    有趣的是,这些角色已然搬离Shirley市——Theresa搬到Putney City;Schultz和Lauren搬到Burlington,而Marty则到了New Mexico。若我们回到最初分析Shirley市的意义,我们可以推论,这些搬离Shirley市的人,已然在人生旅途上得到足够的歇息,找到新的自我,重新出发。当然,不是每个人都能成功,从Lauren的言谈中,可知James依然停留在Shirley市。每个人治愈心灵的所需时间不一,有些人很快找到出路、脱胎换骨,有些人沉溺在迷失里裹足不前,无法自拔。

    看到五位角色的蜕变或停留,其实观众才是戏剧课程中的一员。我们需要像James、Theresa那样,学会聆听、观察、有想像力,并从五个角色的故事里躬身自省,触碰内心一些尘封已久的刻痕。也许,这套剧就是想提醒观众,遇到人生困境其实是平常不过的事情。生活里的圆或缺、离与合,本来就是我们的一部分。我们可以选择停留在Shirley市,稍作歇息,寻找自我。若我们愿意活在当下、欣然面对,最终我们一定可以离开Shirley市,活出自己的世界。

    此外,除了课堂的内容,剧中有不少片段都是角色在课室小休的单独闲聊。这些对话和课堂内容一样,布满了不解的停顿与沉默,和偶尔互相重叠的细碎台词。开首时观众很难适应这种不自然的沉默,观众席上大家面面相觑,既是尴尬,又有点不知所措。然而随着情节的发展,大家慢慢适应了这种不安。有趣的是,这种沉默在课程完结时,几近完全消失,到了Lauren和Schultz作十年后的对话时,这种沉默已不复再。沉默与不沉默,除了是编剧刻意安排的节奏,也体现了角色之间的关系转化。沉默,在学员互相认识时经常出现——表达了初相识的尴尬、面对陌生人的自我保护,但同时又希望尝试互相了解的种种矛盾。这种尴尬、不安、错愕,非常贴近现实生活。 Baker正利用不自然的手法,表达最写实、最自然不过的生活百态。

    另一点值得一提的,是舞台的布景。全剧的布景异常地简单,与《结婚》、《有饭自然香》的精致布景大相径庭。然而正如高行健在《修戏剧的潜能》所说:「舞台上的每一件物品,都是必不可少的,这物的运用才有意义。物,应该同剧中的人物一样在舞台上活起来。剧作家给剧中出现的物以生命,这物件也就像剧中人物一样,成为剧中的角色。」在《缘移戏剧班》里,舞台上每一件物品都能收画龙点睛之效——镜子有助角色独自审视镜中的自己、健身球有助角色扮演不同的人物(如James扮演Lauren的父亲)、呼拉圈的练习则拉近了人与人之间的距离。道具寥寥可数,却正正体现出「物以生命」的概念。

    相对香港话剧团的其他话剧,这个表演不论是剧本的选取与演绎、场景的布置,都是一个相当大胆的尝试。戏剧如《维港干了》、《有饭自然香》等主剧目,均有明晰的情节发展和性格鲜明的角色,每一句对白均有助情节推进,既是精彩,又能迎合观众口味。难能可贵的是,面对Circle Mirror Transformation这类非典型的冷门剧本,香港话剧团非但没有为迎合大众而将其搁置一旁,更将其列为主剧目之一,并用心地演活了这份剧本。当中那种勇于突破传统规范的决心,确实反映出香港话剧团对话剧一份诚挚的心意。


    评语:

    (胡铭尧)首先我得感谢作者如此细致地解说话剧。面对作者形容为「没有情节的推进」,「反覆不断​​」的戏剧,作者花的心力解构角色、关系与物件的意义,是一个很大的挑战。作者着眼于转化,并细致地将转化以不同形态陈示,是一个清晰的解读。虽然我认为行文上可以再加理顺,突显出作者层层推进的论述,但我认为这篇已是相当出色的戏剧剖析。作者讨论了这个制作的回顾,篇幅比起剧情剖析较为单薄,若能顾及更多制作细节,则更为完美。

    (游慧姿)对演出有作批判性思考,但文章结构略为随意,读者难以理解并跟上文章的发展。

    (闻一浩)文章很有条理地分析了整个剧本的喻意,其中人物角色的构造、场景的设计,以及语言的分析一应俱全,让读者能够全面了解演出的情况,能够包含多方面的资料和分析,是很高水平的文章。

  • 叙事的交缠,戏剧对后代情境的疗愈

    凌志豪

    《缘移戏剧班》2009年于外百老汇首演,曾获奥比奖最佳美国新剧奖,是次「世界文化艺术节2015」,由香港话剧团的李国威翻译及执导此剧,故事讲述Marty(冯蔚衡饰)在佛尔蒙特州小镇的社区中心开办短期戏剧班,与四个学员经历六个星期的戏剧训练,带领学员进行剧场游戏,同时面对自己过往的经历,通过剧场游戏令大家逐渐打开心扉,走入彼此的内心世界。四个学员包括失婚木匠Schultz、来自纽约的前女演员Theresa、女高中生Lauren,还有Marty的丈夫James。

    非线性叙事中的线性叙事逻辑

    《缘移戏剧班》一剧虽采用非线性叙事方式描述戏剧班发生的事,以碎片的方式,交替呈现戏剧和学员间的交流。观众有如一个偷窥者看着班上发生的一个个小片段,好像轮流播放一段又一段的闭路电视录影,但失去一切日期和时间标示。我们无从得知游戏和交谈发生的先后,它们在时间性上的立足点。剧情出现的先后充满着偶然性,观众在纵观一部剧情前难以察觉箇中关系。在游戏和交谈间的时间也是缺席的,制造出时空混乱和情节的破碎。而非线性叙事属非线性伏线叙事,运用戏中戏(或称俄罗斯套娃)的方式,在此一整套戏剧中加入戏剧练习的戏,同时有着后​​设剧场的意味。

    但在以上看以即兴成份丰富的叙事方式中其实存在着一种无法逆转的线性叙事逻辑。在亚里士多德的《诗学》第七章中提到有关线性叙事的概念:「所谓完整,指事有头,有身,有尾。」当中头需自然引起他事发生,尾则要按照可然律或必然律上承前者发生,而「身」便是箇中承上启下的过程。从形式主义层面上已达亚里士多德对线性叙事的要求,戏剧班共有六周,第一周为课程的开始,第六周为终结,二者不可互换。而第一幕便由Marty的先生James替她介绍自己,以开始对剧班,具有以起其后对剧练习的作用。第六周最后一幕想像十年后情境的练习是一个有然律下上承前事发生的结果,必须先有互相认识和练习的​​过程才有材料去想像十年后重遇的场境。

    除形式主义层面上有线性叙事之特点,其交谈和练习亦是不可逆换互换的。 Theresa和Schultz的感情线便是最佳例子,若没有第二周二人搭讪,互相坦露离婚和搬迁因由,二人便无法对对方产生兴趣,继而深入了解,再到发生关系。戏剧亦多与此相关,如每人写一个秘密、和「一人一故事」的环节、甚至其后十年后重遇想像的练习中也不可能有「我喜欢了一个人」、「你以前同Theresa……」等句子的出现,也不会有Theresa和Schultz二人争吵的情节出现,可见非线性叙事中又有线性叙事的事理逻辑。两种叙事方式一明一暗互相交缠,编剧上可谓创新。

    内心世界的重构

    在我们身处的高度发展城市中,人们被置放在一种后现代情景里,往往面对着人与人之间的异化和疏离,城市中人不断擦身而过,然而他们毫不知与任何一人连上关系。而事物的碎片化和后现代城市空间的无时间性(timeless)、无地方感(placeless)、异质空间(heterotopia)的特点下,人往往失去了生活的重心,长期处于一种茫然的状态,对自己内心的了解也像是陌生似的,而《缘移戏剧班》一剧正好对此处境做了很好的回应。

    首先在空间之上,《缘移戏剧班》中的背景置放在戏剧练习室中,但若非剧中提示其位处佛蒙特州小镇,那其实是可以是任何地方的练习室,其他的练习室可与其交叠、并列、互相穿透融合,创了一个典型的后现代城市空间,有着无地方感、异质空间的特点。而上文所提及的非线性叙事中的时间缺席正好创造了无时间性的特点。在后现代场域中剧中人物也似乎无法了解自身的问题、处于无法排解的状态,一种因当代生活外部经验失落而造成的内部心理真实的破碎。而戏中便透过一种戏剧治疗的方式,重建他们的内心世界和人与人之间的关系。例如六周中每周皆有由一角色扮演另一角色述说自己的故事的练习,互相扮演,象征了一种透过客体、主体身分互换而重构内心真实的行径,以此来面直自己的过去,直观内心的伤病,再得以疗愈。在戏剧游戏外,角色之间私下也有不断交谈,借而揭露角色自身的问题,如Theresa的情伤和前男友对自己的阴影、Lauren沟通的障碍和青春期的困惑、James和Marty之间夫妻关系的疏淡和热情不再。用第三者说出别人的过去,James年轻时多么有魅力,又例如各人如何合力重组别人的家庭场景,Lauren父母为何总是愤怒,扮演其中的夫妻Marty和James又如何透露了真感情。他们也在戏剧训练中分享着自己的过去,小时候的故事,睡房的陈设,甚至是埋藏心底的秘密——有人怀疑曾被亲人性侵、有人坦白对Theresa动心、有人沉溺于咸网、有人自以为胜过全世界、有人无法面对寂寞等。后再通过剧中复杂的人际交流网,互相扶持关心,此亦一步步拆解了后现代中异化的问题,展现戏剧作为​​治疗方法的力量。而与故事无关、纯粹交流的练习,例如报数游戏(即每人由「一」到「十」报数,但没说明由谁开始,当两人同时报出相同数字时,便要重新开始,直至成功报到「十」为止);或是一个跑步游戏(演员随意在同一空间中跑步,步速会随着导师的指示忽快忽慢,但各人之间必须永远保持着一定距离,不能有身体接触);或非语言即兴剧(演员分别发出一些毫无意义的声音,并假设是有意义的对白,并以此作对手戏)等等都反映着角色之间关系的渐近,感受彼此节奏,慢慢变得有默契。剧场游戏的能量愈趋强劲,连Lauren也投入其中,报数练习愈来愈顺利,全都是各人内心关系亲密的投射。

    从随后Schultz和Lauren的交谈,我们可看到剧中人物如何因当代生活外部经验失落而造成的内部心理真实的破碎中重构内心的主体世界。阴沉中学生Lauren问失婚大叔Schultz「一生,到底要玩完几多次,先会完?」,Schultz不明所以,Lauren问得再清楚一点,「即是,生活不时被彻底推倒重来,到底,一生要如此经历,多少次?然后,之前的经历变得不再真实……」大叔却反驳,「我觉得我的人生十分真实。」由是观之,Schultz已经透过观照自己内心的真切感受,重构了以自我内心为主体对外在世界的感知,离开了茫然的状态,构造起心理真实的经验。

    全剧最后一幕,Schultz和Lauren想像二人十年后重遇之景,互诉状况间提到Marty、James和Theresa的事,然后其他角色渐渐消失在黑暗之中,只剩下聚光灯下的二人,背景音乐的汽车声也渐强起来,仿佛二人跨越时空,走出练习室的内困空间到室外,象征各人内心矛盾和困局的舒解。最后聚光灯往观众群一推再消失,像是各人逃出了当下的郁结,把生活的希望抛给观众,再一次强调了戏剧疗愈的力量。

    今次演员阵容强大,除了外援李镇洲,还有早已退居幕后的冯蔚衡,剧本导演均是高水准。姑勿论如何,香港话剧团的是次演出都值得进场支持。


    评语:

    (胡铭尧)这篇评论加入了不同的历史与叙事向度,令评论变得相当立体。这也显得作者在处理这篇评论前,花了多少心思在梳理自己的观点。作者援引部份对白解释观点,亦见观察入微。这是一篇不可多得的优秀评论。

    (游慧姿)集中分析剧本多于分析演出情况,若能调节则更佳。文句过长,易失焦点,亦有以英文文法写中文的情况。

    (闻一浩)作者以叙事方法及重构内心两方面去分析演出的内容及含意,将故事的内容与人物的关系置于这两方向来评析和考定,是个不错的切入点,提出的理据亦相当充分。

  • 戏剧班内的成长故事——《缘移戏剧班》

    邵善怡

    香港话剧团的《缘移戏剧班》采用了美国剧作家安妮.贝克(Annie Baker)的剧本Circle Mirror Transformation。教室是人学习与成长的地方,身处排练室的学员,在学习演戏的同时,也慢慢学懂了开放自己,借体会旁人的故事,解开内心的郁结。

    导师Marty(冯蔚衡饰)在社区中心开办为期六个星期的短期戏剧班,学员分别是刚离婚的木匠Schultz(辛伟强饰)、逃离大城市压力的女演员Theresa(张雅丽饰)、想成为演员却怕与人接触的女高中生Lauren(江浩然饰),以及Marty的丈夫James(李镇洲饰),透过在排练室里进行重复的戏剧练习,导师与四位学员背后的故事逐一浮现。学员的戏剧训练是剧中主要的戏剧动作,大部分的练习仿佛与排练和演技无关,如数数字游戏或故事分享等,但经过六星期的戏剧训练,观众从排练过程中的角色扮演、画面定格与演员间的闲聊,逐一拼凑出角色的背景,并从训练中观察众人成长的变化。以数数字游戏为例,众人摊睡在地上,顺序地说出1至10,如同时发声便需重新由1开始。若以「星期」来分幕,此游戏共在四幕出现,以此观察众人在六星期内的转变是最明显的。戏剧班开始时,众人数到3或5便需重新开始,但当他们学懂投入,用心感受与适应旁人的节奏,终于能由1数至10,这一类型的戏剧行动标志着众人的成长。

    在情节淡化的演出里,演员需利用演技来带动剧情推进,利用演技上的微妙变化告诉观众角色的成长历程。单从剧本而言,女高中生Lauren的变化最大。在首两星期,她以连衣帽盖头,演员需扮演一个没有自信心、不善于与人沟通的角色。在动作配合方面,演员把头压低以阻隔旁人的视线,甚至当遇上别人触碰时会走避逃开。到了第三星期开幕,观众看到Lauren对着镜子模仿Theresa的穿衣风格与排练姿势,再看剧名Circle Mirror Transformation,戏剧班的学员都是一面镜子,借他人的行为观照自身,从模仿中成长。 Lauren学习的是Theresa的自信,勇于在他人面前展现自己。在这一星期完结前,Theresa和James对立地发出重复而没有意义的音节,学员们需观察二人的互动、语气及音调的变化,为二人补充故事内容。当Schultz尝试回答时,Lauren抢着回应,渴望说出自己的感受,较以前能表达自己。 Lauren的成长在第五及第六个星期更为明显,第五星期的Lauren把帽子拉开,并藉由Marty之口,向众人交代父亲惹上官非一事;第六星期,她与Schultz扮演十年后重遇的情景,她这时表现出来的从容与开首的畏缩对比强烈,亦已不再害怕旁人的身体触碰。结尾的一幕,二人扮演十年后重逢时,灯光慢慢转暗聚焦,台上仿佛只剩下二人在黄昏的街头相遇,二人的应对从生硬到自然,此时背景传来街上杂音与远处车声,使这一幕跳出了排练室,时空推移到十年后。我们从而能够推测戏剧班对Lauren的影响是有持续性。戏剧班的活动全在排练室发生,但剧中更多地提示观众想像排练室以外众人的过去与日常生活,透过演员的行为变化,观众自行想像剧场以外的情节。

    在灯光设计方面,最令人印象深刻的是频繁的暗灯安排。众人的互动及一系列的戏剧训练与动作被密集的暗灯分割,如在数数字游戏后暗灯,灯亮后便是故事分享,中间的情节被删去。除了每星期转换时有字幕提示观众外,我们看到的是零碎的片段,星期内的各行动被断裂成小节,加上星期间的暗灯时间亦较长,等待时间让观众能以抽离的角度审视众角色的变化。结尾时,台上射灯隐去,前台与后台的布景板被移去,紫色强烈射灯从后台射向观众,观众也成了班内的一员。


    评语:

    (胡铭尧)作者大篇幅地提及剧情并加以剖析,实质上却带起对剧本的思考,更甚是推演剧场以内与以外的想像,由内而外,布局甚有心思。对于灯光的讨论,更见作者仔细观察并推敲演绎用意,文章结尾具说服力。

    (游慧姿)清晰分析戏剧作品的发展,可惜草草收笔,对演出的评述略嫌过简。

    (闻一浩)文章选择集中评析剧本其中一个主题:成长,并以其中一个来阐析自己的看法,是可以的。但由于剧本涉及的角色有五个,如果能够再分析其他角色设计的作用,相信出来的效果会更佳。

  • 《缘移戏剧班》——返回表演本身

    江祈颖 / 北京语言大学博士生,主修中国美学,《声韵诗刊》活动助理,《摘骰纸》联合主编,香港实践哲学学会创会成员,演员学员,曾演出《魂迷族》、《私房浪游人》、《水围深海鲸》、《谎诚记》,业余编剧及艺评人,蛀书虫,电影宅,本土派,梦想是写一套有观众的诗剧。

    表演要怎样学习?戏剧是什么?在业余戏剧班中参与过感觉重复的练习游戏,经历过无数课程时日的表演学员,都会暗暗自问。然后有人视兴趣班为昙花一现,有人继续坚持,全身投入游戏之中。直至拿起剧本踏上舞台,甚或是多年之后在人生舞台上重遇表演,才发现一切戏剧练习都满溢意义,一切行动都已经正在表演着、生活着。 《缘移戏剧班》却经由剧本把演员带回戏剧练习,返回表演本身。

    关于重复的表演

    本剧英文名Circle Mirror Transformation,是一个以模仿动作,同步并创造动作的简单表演游戏,虽只在剧中出现过一次,却有重要的象征意义:透过循环的镜仿,认识所模仿的对手及自己,共同构造一种群体的表现力量,其中有着空隙及矛盾,从这共同基础上转化并超升。编剧安妮.贝克(Annie Baker)几乎以这游戏形式,构成本剧的整体框架,可以说戏剧班的六周时间就在构成这一个游戏,包括对重复练习的疑问,人物故事的互相模仿,角色关系的陌生与尴尬,感情投入及冲突所形成的张力,并从表演反观自己的生活而有所演进。故此,演员在表演这一剧作时是复杂的:既要作为完熟的表演者呈现故事角色,又要作为学员不完熟地进行练习,更要在整体表现出人生就是戏剧游戏的主旨,演出关于表演的表演。

    折衷的方法可能是找来一些业余演员来当学员,真实地呈现出排练室的环境,当然香港话剧团并不如此处理,一贯地运用5位专业演员来饰演,环境处理亦尽可能地写实:无一象征意味,而用完整的排练室布景,所有道具亦尽现实,灯光亦用世界光,甚至长期保持室光,去掉观众所有的剧场感。故演员亦必须写实地演戏,全剧最聚焦表演自然是剧场游戏,要他们表现出对表演游戏的不熟练反而是一大挑战,四位学员的不熟练做得十分自然,例如手足无措,当机式的犹豫及尴尬,不明所以的无奈,都能与Marty(冯蔚衡饰)的熟练成一大对比,亦表现出在不同周数重复游戏,例如数数字及句子接龙时,因开始熟练及关系发展,而出现于游戏练习中的些许转变,不是重复而是更为深 入的表演,包括气氛及压力的转变亦从表演中细致地做到。

    关于沉默的表演

    另一方面,自从哈洛.品特(Harold Pinter)的剧作开始,停顿及沉默就在现代剧场中担当重要角色,它是一种时间的无声语言,是静态的行动,在对话之际,众人之间,形成一种言犹不及的张力。本剧编剧安妮.贝克把这种技巧用到极致,她会指明沉默长度,对白后停顿的秒数,演员们忠实表现停顿,时间掌握得十分准确之余,亦见细心准备的表演填补空隙,例如游戏中间的停顿,可以阅读到演员在苦思寻索,而非数秒数。另外,在休息时间的对话交流中充满停顿,除了可以看到鲜明表现角色特性,关系由陌生,暧昧,感情联系以至矛盾之中种种发展,亦能从沉默中表现出来,使复杂的人物关系从中自然而然地透露。其中尤以Schultz(辛伟强饰)对白中欲言而又止后的空白,更为言有尽而意无穷。

    演出中最著名就是运用半分钟的空场,因角色前段表现的偷情情节,观众能自动补充角色场外的行动,甚至引观众在寂静中寻找声音,而使这半分钟空场变得充满戏味。而多场一人留在排练室的表演同样精彩,如Lauren(江浩然饰)对表演不为人窥见的热情,对镜展现自己的身体姿态而感到气馁,Marty在剧班将完之时把玩健身球的惋惜,静静地剖开自己的内​​心世界,在舞台上展现出独处时私密的情感坦荡,都能不着一言但清晰可见。

    一切关于表演的,同样关于人生,反之而言,在真实人生中的想法,都会在表演中无所遁形。各人的故事或间接地叙述出从而认识自我,或透过重演生活而看见自己的困扰及迷茫。 Theresa(张雅丽饰)练习对话中对前男友的依恋,James(李镇洲饰)对女儿的罪疚,Schultz对感情的偏执及Lauren对他人的轻蔑,都暗暗现身于种种表演中,同时亦由表演慢慢地张开心房,彼此了解而有所释放,然后随时间推演,不知不觉让戏剧走进了生命。剧中结尾的表演,十年一瞬在一段对白中慢慢转变,Schultz再不执着,Lauren再不碍于沟通,是真实的生活,还是提升了的表演,已经无关重要,可以看见的是,真正的演员出现了,真实的人生亦然。


    评语:

    (胡铭尧)既有对剧的剖析,也有仔细拆解舞台元素的技术细节,最后带出戏剧深度和意涵,这是一篇不可多得既立体、又细致的剧场回顾。

    (游慧姿)尚可,若能简洁表达观点会更好。

    (闻一浩)文章由演员这身分出发,在讨论故事情节以外,还加进对演员重现初学戏剧时的表现这另一层次,在处理演出本身之外,还分析了这剧本与演出之间微妙的关系,是个有趣的观察和分析。

  • 《缘移戏剧班》——让现代人再寻找内在桃花源

    张慧敏

    在急速节拍生活的都市人,你可曾想像在欣赏一出戏剧的同时,自己亦在不知不觉之间上了一堂戏剧课呢?现代社会大部分人都非常重视效率,讲求功利和金钱挂帅。有多少人愿意停下来,好好面对内我​​,感觉自己的真实感觉和感受,容许静谧的存在,然后倾听本我的真实话呢?

    光影中的大观园

    香港话剧团演绎美国年轻剧作家安妮.贝克(Annie Baker)著名剧作Circle Mirror Transformation《缘移戏剧班》在剧中巧妙地运用灯光效果, 让观众更容易投入剧中, 犹如自己也与台上的演员们一同经历了六个星期的成人戏剧创作课。一般而言,在剧院里大多数的剧目演出都是台上亮着灯,而台下的观众区大部分的演出时间都是漆黑一片。不过此剧就用了非惯性的做法,在演出的过程中,当演员们在台上演绎受正规戏剧训练时,台上与台下的灯是同步亮着的。这打破了剧场内同一个空间不同区域的划分,做到了一脉相连的理想效果。观众不单只聚焦于台上所发生的剧情,亦会不由自主地从内心回望自己,回想自己的过去,继而透过此剧的大量停顿和沉默来反思,以留白的空间回归真我。

    从戏剧训练中踏出失乐园

    剧情讲述五个不同背景的人物,透过在戏剧训练里的实验练习,例如:充当彼此复述他人的人生故事、重复地数数字,为求巩固彼此的默契,每个学员在纸上用匿名方式写上黑色秘密,然后抽签朗读出来,还有回到时间线上,通过表演练习代入树木、床和棒球手套等的体验去启发新思维和视野。这一些练习悄悄地撕裂每个剧中人物内心的保护盔甲,然后让他们不得不好好地面对自我,当然同时亦较易让台下的观众们,愿意一起去观照面前那一块能照进心底的精致洋镜。

    在繁华都市生活的我们,不是整天忙着家事和公事,就是将心神挂在网络上,大家总是要将时间和空间填满才能去除空虚感,正因如此,现代人大多不能活在当下,心底里极恐惧去面对静默的时刻光临,因为停顿和沉默容易呼唤起记忆中那失落的心灵碎片。而我们的自我防卫机制由于希望保护自己脆弱的内在小孩,最后当我们要走进醒觉的阶段时就会退缩和却步。

    当今的社会愈是浮华,每个人就愈乐于采用即食文化,追求效率及讲求成果,但却忘了生命的本质是什么,亦遗忘了该慢活反思的道理。某程度上,看戏是一种修心,演戏是一种修行,写戏是一种修炼,导戏是一种修道,评戏是一种修为。安妮.贝克的这个作品虽是淡淡然的,而且整体节奏缓慢,但却充满厚度、阔度和深度。


    评语:

    (胡铭尧)这是一篇精炼的评​​论。作者着眼于台上台下同步的戏,台上的戏撼动台下的思绪,与此同时讨论舞台上与剧情上的细节。剧评没有提及太多个别演员与其演出,是为这短评中的短欠,如篇幅较长的话,能读到演员的演出,则更为圆满。

    (游慧姿)观点明确,文句清晰。

    (闻一浩)虽然是观后感性质,但文章能提出剧本的重点和喻意。作者也有指出某些舞台调度的背景动机,不过,如果能对演出本体如演员及剧本的处理方面多些评论则更佳。

  • 《贝隆夫人》的得与失

    李梦 / 大众传播与艺术史双硕士,不可救药的​​美食及古典音乐爱好者。艺评文章散见于北京、香港和多伦多等地报刊及网站。

    来自阿根廷的布宜诺斯艾利斯探戈舞团于10月16日晚在文化中心大剧院演出《贝隆夫人》,为康文署主办的世界文化艺术节2015揭幕。拉美探戈舞者的舞姿固然缤纷绚丽,上半场结尾处一段「套索舞」亦炫技味道浓郁,引人称奇,但整出舞剧的叙述架构略显松散,似乎撑不起「演绎阿根廷国母一生传奇」这样宏大的创作初衷。

    全剧分为上下两幕,每幕由若干片段构成,依时间顺序,回顾伊娃.贝隆由一位别离故土往大城市闯荡的少女,一步步成长为阿根廷第一夫人的曲折经历。上半场专注于女主角伊娃的个体经历,谈及这位初入大都市的羞涩少女,凭靠自身努力最终获电台录取;下半场围绕伊娃与贝隆的爱情,以及两人为阿根廷独立和自由做出的诸多贡献展开。

    这样辉煌和胜利味道浓郁的题材,与探戈舞蹈及音乐中包含的热烈激情理应十足契合,但统观全剧,舞蹈与戏剧的结合并称不上紧密,换句话说,编舞和导演似乎并未将探戈的叙事能力全然发挥出来,以至于作品在情节铺排上显得有些粗糙。第二幕第七段,伊娃向贝隆倾诉爱意之前,情绪上的铺垫并不充足,未能将这一政治婚姻背后的复杂性解释通透;而编舞糅合歌曲、舞蹈和戏剧等诸多媒介的尝试(安排歌者站在舞台左侧演唱一首《爱情萌芽》,舞者在右侧跳一段关乎爱情的双人舞),看上去亦太过直白,少了些想像空间,有「画蛇添足」之嫌。

    至于第一幕结尾处那一大段「套索舞」,本意固然为介绍阿根廷民间文化,但与整出作品的叙事逻辑和情节演进并没有明显关联。的确,舞者技巧出众,观众在欣赏这一缤纷亮眼的段落时纷纷忍不住鼓掌叫好,但掌声之后静下心来一想,便会发觉「套索舞」在此处的出现,其实是有些生硬的,对整个作品的情节推演并无太大益处,恐怕会落入「为炫技而炫技」的俗套。

    再说说舞台空间的布局。在笔者的惯常印象中,探戈舞者经常出现的地方要么是深巷中的小酒馆,要么是河畔开阔地,总之与普罗大众的日常生活和都市流行文化贴得很近。今次,布宜诺斯艾利斯探戈舞团将这一平民化、世俗化的舞蹈搬上文化中心大剧院演出,单就怎样平衡「俗」与「雅」二者关系而论,已属一项不小的挑战。毕竟,文化中心不同于小酒馆,如不考虑演出空间(舞台尺寸和氛围等)的转换而将「酒馆探戈」简单挪入这足以容纳千余观众的大剧院中,不单观者很难共鸣,连演出者也会觉得吃力。

    值得一提的是,舞团巧妙地避了这一风险。这里不得不称赞编舞和灯光师的巧思,他们频繁用「群舞+独舞」的架构和跳脱另类的灯光设计,帮助舞台空间呈现出丰富和多元的面貌。而这一多层次的舞台空间,亦在某种程度上中和了略嫌空泛的情节设置。

    除舞台空间设计外,音乐也是本场演出的亮点。现场乐队在音乐总监兼钢琴手Fernando Marźan的带领下,将旋律中那些隐秘微妙的细节拿捏得恰​​到好处,高低起落,随性自在。小提琴手Mayumi Urgino在第二幕的一段独奏尤为精彩,与身边两对配合无间的舞者唱和呼应,将情绪推向高处。现场演奏的魅力正在于它的「参与性」,既能依照舞者状态和情绪灵活应变,又能在沟通和互动的语境中,与台下观众建立关联,令到舞剧中「看」与「被看」的二元关系更显得活泼生动。


    评语:

    (胡铭尧)文章有理有节,甚具层次。作者分别向两个范围提问,第一是整体舞与剧的编排,第二是舞台空间的摆布。作者对于这两方面的意见,都有其理据,而且我认为具说服力。第一点提到歌者的画蛇添足,是很好的提问。而第二点提到舞台的布局,更见作者对探戈有一定根本的认识,也是我认为这场演出较为不幸的一环:在僘大的舞台,少了的是探戈细致的妩媚,多了的是无尽不知怎么用的空间。

    (游慧姿)对舞台演出作颇全面的评论。笔者对舞作内容有批判性思考,令人可喜。可惜笔者对阿根廷探戈认识并不全面,某些评语有待商榷。若把此文当作个人观看感,则算是中上的文章。

    (闻一浩)文章能够全面地分析演出的优劣,分别就舞蹈编排、场地运用及音乐演奏各方面阐述自己的观点,为读者建构了一幅完整图象,若能再仔细解释自己的观点则更佳。

  • 《禾.日.水.巷》:一次古典与爵士之旅

    郑朗澄

    林丰在英国成名,源于获英国广播公司(BBC)委约创作,是BBC最年轻的委约作曲家。近年回流香港乐坛,旋即获香港管弦乐团委约为驻团作曲家。是次在「世界文化艺术节2015」获邀合作,

    心水清的话,会发现《禾.日.水.巷》其实分拆自香港二字。二人将一天分成十二时段,以「道地的文化内涵」、「美丽的城市风貌」、「烦嚣中的心灵空间」及「急促的生活节奏」为主题,创作出十二章节,配合画面投影。

    二人在演前讲座提到,演出以古典与爵士互动为卖点不太准确,认为「约束与拘谨」的创作更为确实。在创作过程中,他们主要构造每首乐曲的框架,将部分留白予以即兴演奏。有趣的是,古典乐章可以透过反覆练习和彩排力求完美,但放诸即兴上,「太好」的彩排却会为正式演出设限,令乐手意图重现彩排时的即兴而造成包袱。惜时间所限,二人未有深入谈及。

    两位作曲家叫座力惊人,演出当晚座无虚席。乐器设置包括常见的弦乐:小提琴、中提琴、大提琴、低音大提琴,另加色士风、钢琴、电子结他及鼓,连同担当指挥的林丰,合共约二十人。两位作曲家事前已分好每人谱写六首作品,在演出时亦能大致感受到两种回异的风格。事后林丰公开各乐章的创作者,一如所料,林的作品有其创作特征,包括使用7/8拍、长音,留予钢琴或电子结他的即兴仅为短句,整体旋律及伴奏结构清晰,call and response 突出。至于张氏的创作,侧重即兴,预留机会分别让钢琴、结他及鼓手独享一大段即兴演出,但细节上不算雕琢,结构稍为松散。

    作为艺术节全新创作项目,二人期望借着音乐配合航拍及定点拍摄片段,加上后期缩时及其他后期制作,表现香港常态,创作出属于香港人的音乐。当中以14:00的乐章让人留下最深印象,而林丰亦坦言自己最喜欢这段。音乐以C 小调弦乐开始,配合旧时H 型公营房屋的走廊近镜。随音乐发展,敲击及钢琴逐步加入,画面亦逐渐拉远,见到海傍、旧式商场、平台游乐场等。除了实景外,片段亦包括将天桥折成万花筒、不断重叠港铁站中的人潮等。配合音乐,的确成功营造「老香港」意识,千禧年后的新常态,种种社会争议,基本上全部略去。乐曲带出缅怀昔日美好时光的信息,亦得靠色士风出色演绎。林丰和色士风手孙颖麟多次合作,是次亦善用乐器细腻的音色,营造感觉,是演出的一大亮点。

    二人冀以此展现香城魅力,确实勾起老香港回忆,惜古典与爵士互动未算多,期待下一次两者会有更好融合。


    评语:

    (胡铭尧)仔细而有心思的分析,并且很用心地记下了演出的细节。作者提到印象最深刻的段落,文字中表现了音乐的张力,是一段非常优秀的描述。未为给予满分,是我一个见之遗憾的空块:那么什么是「古典与爵士互动」?要怎样的演出才是互动较多呢?这未必是作者没有深思,我更想之为文章篇幅未能盛载或什是无关此文宏旨,但我相信这正是这制作有趣的地方:跨什么界?怎样互动?如果能读到作者的一点见解,也就更为圆满。

    (游慧姿)文章水平不错。若能对乐师当晚的表现及观众反应作更详细评述,会令内容更丰富。

    (闻一浩)作者交代了不少背景资料,如引述了演前讲座创作人的说话,的确有助读者了解演出的背景,但对于演出本身的评论则较为简单,其实应将讲座所得与演出当晚看见的相互印证,整篇文章读起来理据能更完备。

  • 高山上韩风中,烈焰霹雳飞腾——评《街舞烈火》

    叶智仁

    五光十色耀目灯光下,高山剧场新翼演艺厅上演的不是广东粤剧,而是韩流霹雳舞。今个晚上,热血沸腾的欢呼和鼓掌声,不再是街角B-boy竞技时常有的喧闹,而是高山场馆内座位上数百观众一致地为舞台上的Jinjo Crew自发的喝采。 Jinjo Crew的舞团名字,翻出来的意思是「飞腾中的烈焰」,他们的《街舞烈火》(Ablaze!)从开始到结束,展现在观众眼前的,是拍和着音乐节奏而对身体各部份从头到脚绝佳的控制力。观众在澎湃的感觉中,无论是大人或小孩,也有起身动一两下的冲动。 Jinjo Crew 的舞者是流动的火焰,被燃点的是台下的观众,从眼睛以至心情。

    序幕是Jinjo Crew在世界各地表演及竞赛的录像片段。当眼前充斥着活力十足的跃动光影,大家内心更期待的,是即将「具体」地站在舞台上的真人骚。录像停,音乐起,营造流丽炽热气氛的灯光,随即把舞台的地板烘亮,Jinjo Crew成员如风闯进,风车、汤玛斯大回旋、头转,在侧光中定格倒立。双人的身体勾结、互碰、再旋转,三人的组合, 加上八人的图案,我们看见的不单是个人纯熟的地板power moves大技巧或者强调footwork和freeze到位的小技巧,更是编舞如何把速度感和充满力量的霹雳舞风,给观众制造另一种观赏经验的心思。

    一般欣赏舞蹈的观众,看见高难度动作,例如芭蕾舞经典的黑天鹅三十二个挥鞭转(fouette turns),总会赞叹拍掌。在街舞中,如特技般的舞蹈动作,根本就是一个接一个地出现。 Jinjo Crew体现的霹雳舞特色,是个人的高难度技巧加上充满创意的群舞力量。利用节奏和肢体动作,他们把美国个人主义的街头文化和韩国人社群主义的传统结合起来。不论是利用运动外套作肢体扣连的道具,或以韩国国旗作文化认同的象征,在强劲的音乐节奏和高度身体协调律动的背后,默言地宣布,韩国街舞能赋予演出者的舞台魅力,也许是来自他们团结的精神文化。一体感的默契,把个人的力量化成穿梭穿插的美。浑然东西文化的街头自由,把韩国音乐、beatboxing的敲击乐效果节奏口技和服装、灯光等舞台设计等元素,信手拈来地混化成娱乐表演。韩国街舞的成功精髓,也就是韩流K-pop 男团女团成功的反映,如影随形。

    然而,Jinjo Crew 在高山剧场舞台上演出的「街」舞真人骚,于飞腾的烈焰中燃放的光芒,是一直呼应着序幕的世界巡回演出及竞赛的录像片段。绽放的感染力,是叫人要「相信自己的力量」。街角就是我们的舞台,一样精彩;舞台也是喧嚣的街道,观众的喝采,同样奔放自由,他们同样会有想动一两下的冲动。界限只是我们自订的。


    评语:

    (胡铭尧)文章虽然篇幅不长,但却在舞蹈、音乐甚至是什他舞台元素皆有涉猎,而且亦具一定深度。作者对舞蹈技术观察入微,是本篇最优秀的亮点,加上对音乐与文化的点评,短小精悍,结尾收笔亦见一语中的。

    (游慧姿)结构紧密,文笔流畅。短短一千字内既能清晰表达笔者观点之余,同时对演出情况作简洁而立体的描述,值得一看的文章。

    (闻一浩)文笔流畅,亦尝试详描述了当晚演出的场面,观众的反应热烈,如果能个别节目的编排、演出内容,又或者技巧水平再加以评析,让读者能更了解作者对演出的看法,则更佳。

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